鼓手一定要很進擊？！

被好多人(大部份是家長)問，打鼓真的要打到「進擊的鼓手（Whiplash）」裡面那樣噴血才算厲害嗎，每次我都很猶豫要不要解釋那些其實都是戲劇效果，一方面覺得好像不應該摧毀他們心中好不容易建立起對鼓手的莫名崇拜（是有多虛榮），一方面又覺得好像應該解釋一下，不然我好手好腳的好像很弱（是有多虛榮again）。其實以前身為屁孩的我也有這種幻想，總覺得有練有水泡，有水泡才對得起自己一樣，直到後來遇到教我們拉丁打擊的智利籍老師Carlos，有一天很好奇的問老師是不是手已經爛掉好幾回（超沒禮貌的），殊不知他緩緩伸出手，竟然跟嬰兒的手一般光滑。

屁孩時代的我總以為技巧等於速度和花招，長大才慢慢領悟原來樂器技巧的意義是「用最輕鬆且安全的方式演奏出最完美的音色」，所以樂器入門的引領者也是非常重要的角色。敝校在一年級的時候安排了技巧十分漂亮且嚴格的老師，讓大家能馬上知道怎樣的技巧是最有效率的，接下來的兩年，分別又派了不同的老師來上課，才發現每個老師對於技巧都有不太一樣的心得，而大三的最後一堂技巧課，老師很搞笑但也很認真的說了一句「其實技巧一點都不重要」，後來他才解釋，大學三年這麼多老師分享了這麼多種技巧，最後選擇用哪些技巧去演奏還是決定在我們，只要「不受傷」（很重要所以說了不只三次），任何能夠創造出你想要的音色的技巧都可以使用，沒有絕對的答案。

所以鼓手中有姿勢怪異的（比如Ari Hoenig和Mark Guiliana），也有姿勢漂亮的（比如Steve Smith和Mike Portnoy），他們唯一的共通點是好手好腳（沒有詛咒他們的意思orz），只是選擇了不同的姿勢和技巧而已。更何況鼓不像吉他等弦樂器，有任何需要直接接觸摩擦的地方，三年內我也只看過不小心被裂開的鼓棒木屑戳到這種我們吃辦桌常常遇到劣質免洗筷等級的傷害而已，被hihat夾到手指或是被自己鼓棒戳到眼睛還比較常見（咦？只有我嗎？）。如果有看過厲害的鼓手表演，應該不難發現他們打鼓怎麼好像跟喝水一樣輕鬆，上課的時候不管是哪個老師，也都會再三強調要放輕鬆，因為肌肉一緊繃的話會改變音色，長久下來對身體也容易造成傷害。

雖然可能在這些樂器剛被發明的時候很多演奏者因此手痛腳痛，但身為21世紀的人類，似乎已經不需要再辛苦地穿越那些荊棘，Youtube等資訊平台已經能提供足夠的資訊，只要你肯花時間且具備理性的頭腦，練功不必先自廢武功，空有熱血卻盲目撞得滿頭包會比電影主角還慘，至少人家的血是假的，就算硬把速度練到300bpm的16分音符，練完了手卻受傷不能繼續打鼓，是要怎麼跟其他人證明你有300啦！虛榮心能暫時爆棚的機會就這樣沒了很可惜的！有健康的身體才能好好打鼓呀是不是！

150615/有些重要的事情需要被記錄下來，分享給需要的人，也提醒不小心忘記的自己。

Steve Gadd Paradiddle Groove

一開始是因為教學需要去翻了一下Youtube上有關Paradiddle groove的影片，結果發現這個一半是正常速度一半是放慢速度的寶物！（私心覺得每個paradiddle groove的影片都應該有放慢的版本，不然超難聽出來他在打什麼的）於是為了不浪費所以順手把整段影片寫成譜，果然不寫的時候都覺得超神的，寫完之後發現原來就是這樣嘛！他用了蠻多右手開始的single paradiddle（RLRR）+左手開始的inward paradiddle（LRRL）的組合，然後是跟右腳大鼓結合的線性節奏（LRRLLFF），都是蠻實用的組合可以偷練起來放。其實這段16小節的solo架構蠻整齊的，可以看得出來他的思路大概是兩個小節/四個小節一個循環，練習的重點除了速度以外，我覺得大鼓的連續兩點也蠻需要時間練習（RRLLFF），常常會太快導致第一個點跟左手的第二個點同時出來，再來就是輕重音的部分，因為速度的關係很容易就輕重不分了，這些都是需要放慢速度練的。

原本很想放個自拍影片，但經過四個小時的掙扎之後目前還是只能打到70bpm...orz

4-這些太簡單了，有沒有難一點的？進階節拍器練習方法（以APP為輔助）

要寫這篇文章之前一直有點猶豫，因為好像不管怎麼寫都會變成廣告文，但後來想想如果這些工具一直被埋沒好像很可惜，更何況如果懶得去做功課找其他工具多方嘗試的話，被騙點錢好像也沒關係，能夠花一點小錢支持這些軟體開發者也是功德一件。不過還是要說清楚，這些app和軟體和我完全沒關係，純粹是覺得很好用所以想要推薦給需要的人試試看。

自從用了智慧型手機之後，我對節拍器app的狂熱就被莫名的發掘了，不過基於畫面不美就不想下載的原則，一些畫面看起來非常陽春很沒誠意的app會先跳過不用。這次要介紹的三個app是我用了很久之後一直找不到理由刪掉的，基於他們三個性質上微妙的不同，我會依照練習目的交換用，除了他們各自的特色之外，上上篇文章講到的所有練習功能他們也可以辦到。

最後是很遺憾的想說，這三個不一定支援Android系統，如果覺得我很假掰只挑支援iOS的app介紹我也沒辦法。


1. MetroTimer
官方網站：http://metronomeapp.com
App Store下載連結：https://itunes.apple.com/us/app/metronome/id416443133?mt=8

這個app是我這輩子花錢買的第一個app，顧名思義就是主打他的計時功能，反觀他的subdivision功能就要透過功能鍵切到另一個介面去選擇，個人覺得有點麻煩，但底下計時器按了馬上就會開始倒數，對於純粹想練肌耐力和速度的時候來說非常方便。他早期的另一個優勢是真人數拍，跟其他節拍器一樣，他有好幾種節拍器聲音可以選擇，除了一般的丁丁東東以外，他還有一個真人數拍的聲音，會依照拍數念one-two-three-four，但後來隨著其他app加入這個功能（甚至還有各國語言），這個優勢也慢慢變得不怎麼樣了，但當初這個功能是讓我花錢買下他的理由。

2. Tempo

官方網站：http://www.frozenape.com/tempo-metronome.html
App Store下載連結：https://itunes.apple.com/us/app/tempo-metronome-setlists/id304731501?mt=8

Basic Mode

Gig Mode

Tempo算是非常強大的一個app，不管是一般節拍器該有的基本功能，還是計時器、各種subdivision、或是setlist功能都集於一身，但功能太多的結果就是有些功能變得太複雜，像計時器功能，他可以用時間計，也可以用小節數計，但就是每次用的時候都要選一次。個人覺得這個app的優點就是有不同模式可以依照使用者需求選擇，比如說他的gig模式很簡潔。跟上一個app比較來看，他選取subdivision的方法就直覺很多，直接點上面那排紅色的點就可以了，一個點代表一拍，所以如果是6/8拍就會有六個點，點一次是靜音，再點一次會變成重音，然後是正常音。平常要是想用一般節拍器功能練習，又不想帶RW105的時候就會開他來用，另外一個會用他的時候就是表演和練團，因為他的setlist功能真的很好用。這個app另一個亮點就是可以換介面顏色，但對很懶得調那些東西的我來說其實沒差，因為他預設的顏色就已經很美了。

3. Time Guru

官方網站：http://www.decibel-consulting.com/timeguru.htm
App Store下載連結：https://itunes.apple.com/us/app/time-guru-metronome/id421929034?mt=8

 


這個app我覺得蠻走火入魔的，因為他索性省掉一些其他app有的基本功能（像是計時器和音量），甚至連許多節拍器用的很直覺的subdivision選擇介面都換掉，變成像左圖一樣的介面。最上面一排空心的數字可以選擇新增一小節，中間的數字是拍數，下面的音符是拍子的長度，比如像圖中「4、四分音符」的意思就是一個小節四拍，四分音符為一拍，如果插入一個「4、八分音符」的話，就會變成新增了一個一小節四拍，八分音符為一拍的小節，文字敘述看起來有點複雜，但實際操作起來其實蠻簡單的。這個app顧名思義就是用來陪練，他的另外一個強大且主要的功能就是可以隨機靜音，中間的拉桿可以選擇要多少百分比程度的隨機，百分比越大就會越常靜音，難度也越高。除此之外也可以手動選擇靜音，像左圖就是一個用來練過門的方法，可以練習「三個小節groove、一個小節過門」，而在過門的時候節拍器會停止，強迫你自己去穩住那一個小節的拍子。另外前面提到有多國語言幫你數拍的功能就是這個app提供的，右圖可以看到他有中、英、法、德、俄五種語言，感覺非常的親民。最後要說說他的缺點，我覺得是太過於geek，需要小小研究一下才會用得順手，一般人特別是非鼓手的其他樂手可能不會有耐心去研究，但對我來說是練習穩定度很好的工具之一。

最後要來介紹一下在還沒發現Time Guru之前我是怎麼利用讓節拍器靜音來練習穩定度的方法：Logic Pro。（這裡用的是Logic Pro，但我想應該Cubase或Ableton都有類似的功能）

其實方法很簡單，就是弄一軌midi，然後掛上drum machine的音色，找到木魚或之類的聲音，只要有一高和一低就可以了，然後一拍一下，把重音點在高音上面，其他點低音。簡易的節拍器就這樣完成，至於要怎麼mute掉某個小節，就是把那個小節挖空，然後讓這四小節無限循環，如圖下：

這個圖是示範第四小節挖空，練習「三個小節groove、一個小節過門」的方法，如果要練習其他東西，也是可以比照辦理。

說了這麼多節拍器使用的方法，其實大方向就是要慢慢減少節拍器的存在感，讓自己慢慢開始可以不去依賴節拍器，這很難，超級難，對於還無法百分之百不依賴節拍器的我來說，也還是一個持續前進的目標。


最後的最後來貼一首個人非常欽佩的鼓手Jeff Hamilton和bass手John Clayton與鋼琴手Monty Alexander的演出。我覺得jazz對鼓手來說最難的就是要「聽」，要聽別人彈什麼，要學習怎麼用鼓去跟別人對話，以及怎麼用鼓去演奏一段有旋律的solo，在這個極度需要和其他樂手互動的曲風裡，是絕對沒有空間讓你去聽節拍器的，所以穩定的節奏感已經變成了演奏jazz的必備條件，這是要進入這個曲風的條件，也是這個曲風好玩的地方。

3-鼓手也要會唱歌？唱歌如何幫助我穩定速度

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其實我超級不會唱歌的，五音不全就算了，聲音聽起來也像鴨子叫一樣難聽，所以一直都很害怕唱歌這件事情，除了自己一個人洗澡的時候在浴室唱歌以外。當學校老師要我邊打邊唱的時候我簡直手心冒汗到不行，但他似乎看出我的憂慮，直接明白的說：「你可以五音不全，也可以唱得像鴨子叫，但一定要給我大聲的給我喊出來！」當時其實沒有想太多，就照著做，因為老師看起來很兇，沒想到後來讓我有了一個非常深刻的體悟。跟手腳肌肉協調不同，嘴巴發出聲音是需要意識去控制的，所以當你能夠把一段節奏唱出來，其實就能夠演奏同樣的節奏。

另外一個學著去唱節奏或旋律的好處是，當你在起拍之前，只要唱一段副歌之類的，或單純的只是唱個大鼓和小鼓的節奏，很容易就可以馬上抓到一首歌的速度，有的時候比用節拍器還更快能讓人融入歌曲。

接下來用一個簡單的例子來解釋如何藉由唱節奏來練習手腳協調以及穩定速度：

上圖是一個很簡單的節奏，大鼓踩在一、三拍，小鼓在二、四拍，右手Ride打八分音符。最簡單測試你是否已經把這個節奏練熟的方法就是看你能不能一邊數正拍（一、二、三、四）一邊打，如果沒辦法的話，可以先從簡單的ride開始，用唱的代替小鼓或大鼓。比如一開始可以ride打八分音符，嘴巴唱大鼓的節奏，習慣之後腳再加入用踏板去踩，然後再唱小鼓的節奏，習慣之後再打。這個過程中陸續先把某個部分固定變成一個一直持續的動作（ostinato），然後慢慢用唱的方式帶進其他不同的動作，每一次唱的時候都是需要集中精神的，所以會輪流把注意力放在不同的地方，在手腳協調方面是一個很有效的練習。在穩定速度方面，其實速度不穩我認為最主要的原因是自己沒有察覺，如果利用這個練習方法試著去唱自己正在打的節奏，或是去數正拍，自然會意識到自己的速度有沒有維持，所以能夠有穩定速度的效果。以上面這個節奏為例，他可以簡化成「東疵他疵」的口訣，所以就算在沒有鼓的地方，開著節拍器也可以用唱的方法練習穩定速度。

最後還是貼一個現場表演的影片，這次要介紹的是變態級鼓手Stewart Copeland和他的樂團，在Rock and Roll Hall of Fame 2003和The Police的表演，然後順帶一提他們bass手兼主唱是個叫做Sting的傢伙。總之好像沒什麼好說的，又是個精采的演出，Stewart Copeland是個groove和花招兼具的heavy hitter，最後爆炸的小鼓解釋了一切，第一次看這個影片的時候我還想說他幹嘛沒禮貌的去挪人家攝影機！至於最後跑出來大合唱的三個人是Gwen Stefani、Steven Tyler和John Mayer。

2-還記得你怎麼學走路的嗎？節拍器像月亮一樣的練習方法

http://blog.udn.com/joana93/3823348

還記得你怎麼學走路的嗎？剛開始一定要讓大人牽著兩隻手走，一開始還不能走快，慢慢的才學會放開一隻手，最後才有辦法自己走。跟節拍器練習的過程差不多也是這麼一回事，主要就是利用逐漸拉大節拍器發出聲音的頻率來訓練自己的節奏感（inner time feel），也就是把每次發出聲音的時間間隔拉大。

以上面這個基本的節奏為例，假設速度是120bpm，上篇文章提到最直覺的一拍一下對許多從來沒對過節拍器練習的初學者來可能有些困難，所以可以嘗試開八分音符來對，這樣一來節拍器的節奏就會和右手打ride的節奏一樣都是八分音符，如果用TAMA RW105的話就會是下圖的操作模式：

如果要用文字解釋，就會變成這樣：

1    &   2    &   3  &  4  &   

B   B   B    B   B  B  B  B

>

這個時候完全是節拍器在幫你維持速度，因為你打的每一下ride都跟節拍器的聲音吻合，幾乎不會用到什麼力氣去維持速度，只要跟著節拍器走就可以了，就像剛開始學走路的時候只要牽著大人的手慢慢一步步跨出去，完全不用擔心會跌倒。當你能夠跟著節拍器一段時間之後，可以試試看把八分音符關掉，也就是把上圖紅色圈圈的地方關掉，只剩下四分音符的聲音，（注意這時候打的節奏還是一模一樣，並沒有因為八分音符消失就把ride去跟四分音符，這樣一來速度就砍半了。）現在可能需要花一點力氣去維持八分音符的節奏，但基本上難度還不算太大。

如果要用文字解釋，就會變成這樣：

1    &   2    &   3   &    4  &   

B         B          B         B  

>

接下來是從一拍一下進入到兩拍一下，打的節奏還是一樣，但節拍器的設定就變成一半的速度（直接把120除以2得到60），然後beat/accent的地方改成2，變成下圖：

如果要用文字解釋，就會變成這樣：

1    &   2    &   3   &    4  &   

B                     B             

>

在這個模式下我們就必須學會如何在兩拍一下的節拍器中維持著120bpm的速度，到這個階段已經有些難度，也代表我們的節奏感正在被慢慢培養著。接下來可以把難度提高，變成四拍一下，也就是一小節一下的節拍器，方法很簡單，只要把這個模式中四分音符的旋鈕關掉就可以了，因為之前我們已經設定好每個「1」都會有重音，所以把四分音符關掉的意思就是把第三拍的那一下關掉，只留下重音的部份。

如果要用文字解釋，就會變成這樣：

1    &   2    &   3   &    4  &   

B                                  

>

練習到這個部分其實已經算是蠻充足的，如果可以在一小節只有一下的節拍器中維持著同一個節奏，表示你的心中已經存在著八分音符和四分音符的概念，已經可以不用依賴節拍器去幫你指出每個拍點，如果需要更進階的話，可以嘗試把beat/accent調成4，就會變成兩小節一下，或是8，就變成了四小節一下。節拍器間隔越久，代表你越需要獨立去維持速度，所以難度也更高。

除了這個漸進式的方法之外，還有許多可以自己去發掘的練習方法，比如某一次考試老師規定節拍器的那一下是第二拍的後半拍，光一開始要把「嗶」的那一下感覺成第二拍的後半拍就花了我不少時間練習，練會了之後才發現原來可以應用在以後編loop的技巧上，因為這樣一來就可以編寫一些細小的打擊樂器進loop來當做節拍器的功能，而他的拍點就不一定要在很無聊的「1」上面，可以是任何符合音樂律動的拍點上。或者是練習jazz comping的時候，可以把兩拍一下的節拍器感覺成2、4拍，加強自己對於2、4拍的律動，也是一個不錯的方法。

回到標題，為什麼節拍器會像月亮一樣呢？因為我小時候都覺得很奇怪，坐車的時候看著天空上的月亮，怎麼都不會動，好像要跟我一起回家，就算眼睛暫時閉起來，張開之後還是會看到他。節拍器給我的感覺也是這樣，節奏感慢慢培養起來之後，它就會像月亮一樣無時無刻都在，即使它不出聲。

最後分享一個鼓手沒聽節拍器的live演出，是在台灣也很紅的Bruno Mars在Vegas的演出，鼓手Eric Hernandez是他的哥哥，雖然我第一次看的時候以為是哪個韓國人，據說放棄了警察的工作跑來跟弟弟巡迴演出。像這種灑血灑淚還要大合唱的歌，常常需要一個安靜（breakdown）和爆炸（biuld-up）的橋段，這時候鼓手一定要看現場狀況來決定什麼時候安靜和爆炸，所以聽節拍器幾乎是不可能的事情，但也不能因此而速度飄呀飄。雖然最後keyborad手沒跟到最後一下自己還笑場是蠻好笑的啦哈哈哈！

1-節拍器是什麼？節拍器的基本功能介紹

說到節拍器，二十幾歲以上的鼓手應該馬上會想到這台TAMA的RW105或是BOSS的DB-88/90。這兩台機器可說是在智慧型手機出現之前的神器，常常不吃不喝存的錢就是為了買其中一台，因為他們很貴，而且鼓手都用他們，用其他的好像有點遜。我自己用的是TAMA，第一台從國中用到大學不見了，還是很不甘心的買了一台二手的，據說BOSS的功能比較強大，但由於我沒用過，而且其實TAMA的功能就已經蠻強大，所以主要還是以TAMA的節拍器為主要討論對象，相信網路上也有許多BOSS DB-88/90的文章可以找得到。

基本上我用節拍器有兩個目的，一個是確認速度和他的subdivision（比如某個速度的三連音或十六分音符怎麼打），一個是練習自己的穩定度。在subdivision的部份其實兩台機器的功能是一樣的，分別都有四分、八分、十六分和三連音，TAMA稱為beat的功能則相對應於BOSS的accent（重音），這些都可以分別控制音量，另外還有一個旋鈕可以控制主音量，對於節拍器來說已經是很好用的功能了（但我一直到三年前才知道他的妙用）。

節拍器的演進也是一件有趣的事情，古早的鋼琴節拍器需要上發條轉轉轉才會動，重音的選擇也有限，RW105變成電子式，可以裝電池或插上變壓器，重音選擇一口氣進化成從0到9，只是一旦time signature改變，比如說一首歌從4/4變成6/8，就要手動把速度加倍或是把八分音符那軌拉出聲音（以一拍一下的需求來說），但對於打流行樂為主的人來說似乎沒有什麼影響。自從智慧型手機誕生之後，節拍器功能的app也紛紛冒出來，身為一個節拍器app莫名狂熱份子，幾乎所有免費的app我都下載來玩過，後來甚至也買了兩個覺得真不錯值得支持一下的app，節拍器app的功能就比較智慧，畢竟是裝在智慧型手機裡面，比如time signature可以直接調整、subdivision變得更多元、有些會有好用的練習模式等。app型的節拍器和電子式的節拍器各有優缺點，我自己是兩種都會用，表演的時候需要確認速度則絕對會用TAMA，因為曾經發生過帶手機上台，卻因為舞台上的震動讓手機ㄎ一笑的慘劇。

最直覺的節拍器使用方法就是譜上寫多少bpm就調多少bpm，一拍一下，然後調到適當的音量開始練習，就像有人在旁邊很規律的一直幫你數1234一樣。一開始用節拍器的時候我還不知道beat/accent的功能是什麼，所以每次練習都把他關掉，後來跟老師上課之後才被要求要開，4/4拍就開4拍一下，但還是不知道為什麼，直到後來開始接觸polyrhythm的東西才發現，原來那個「1」有這麼重要，一旦不知道1在哪裡就回不去原來的groove了。就這樣呆呆的用節拍器用了很久，也因為都開一拍一下，所以有自己好像很穩的錯覺，但有的時候表演沒聽節拍器又會被說不穩，於是漸漸的就習慣表演的時候也聽節拍器，練團的時候也帶節拍器，變得非常依賴節拍器，是如果沒有帶他上台表演會很緊張的那種，沒想到這件事情讓我之後在學校進修時變成一個急迫需要解決的麻煩問題，因為規定鼓手不能聽節拍器上台。

無論是什麼形式的節拍器，我認為使用節拍器的目的只有一個，就是要讓自己不會再需要節拍器，尤其是鼓手。雖然說舞台上的速度和節奏不只是鼓手一個人的責任，但就實際層面來說，鼓手不用記和弦該怎麼演奏，如果連穩定都辦不到，好像就完全失去存在的意義了。鼓機（drum machine）之所以無法完全取代真人鼓手，除了視覺上的效果以外，還有一些玄秘的「人味」是機器無法模仿的，比方說鼓手的grooving，如果有機會可以看以下兩個影片比較一下：Stev Jordan v.s. Bernard Purdie，兩個都以grooving著稱的鼓手，他們的過門不一定多又花俏，但就是能夠讓你覺得可以聽一整晚都不膩。

另一個以鼓手角度來思考的理由是，如果不能聽著其他樂器一起表演而是聽著耳機裡的「低-都-都-都」，連我都想放一台鼓機代替自己，因為完全與音樂隔絕的結果就是讓自己變成一台巨型節拍器，台上的其他人只是對著一台看起來像人的節拍器在表演而已，甚至有的時候歌曲有速度的變化，或是臨時歌曲有什麼結構上的改變，如果鼓手只是悶著頭在對節拍器，好像就失去了許多表演的樂趣。

下篇文章將介紹節拍器的妙用，還是會以TAMA的RW105來示範，雖然現在大部分的人都使用手機app，但app的世界實在太大了需要獨立一篇，而且被我埋沒很久的RW105實在值得我為他好好寫篇文章，他好用的程度可是曾經讓我在學校被同學開玩笑是不是從教室偷來的呢。

（每篇文章最後會附上一個表演沒有聽節拍器的鼓手的影片來增加我的論述強度。這篇文章要介紹的是許多人包括我自己的偶像之一，Mike Portnoy，在2003 Modern Drummer Festival的表演影片，當時他還是Dream Theater的鼓手。這個影片也完美解釋了「速度」不是鼓手一個人的事情，而是靠所有人的對眼默契（eye contact）和基本功來維持。）

0-節拍器的使用心得分享

節拍器，一直覺得這三個字看起來很玄妙，好像是一台很厲害的機器，打開他就會有「節拍」，但實際上用了才知道，打開他只是他有節拍，自己沒有，所以關掉之後就又變成一團混亂了。實際上說穿了節拍就是時間，如果用英文解釋可能會比較明白，比如鼓手最主要的工作叫做Time-keeping，你要維持（keep）著時間（time）的流動，而計算的單位叫做bpm（beats per minute），是用一分鐘幾下來算，180bpm的意思就是一分鐘「平均的」打180下。

題外話，常常有人覺得鼓手都有個神奇的功能，就是聽到一個速度就可以知道他是多少bpm，先不論這些人對於鼓手與節拍器的嚴重混淆，這個技巧其實練起來還蠻實用的，除了可以向那些毫無節奏感的人炫耀以外，對於速度有一個基本概念在每首歌一開始給拍的時候（count in）也有個參照。練習的方法很簡單，只要知道60bpm是多少，就能知道120bpm是兩倍快，這個時候時鐘的秒針就是最好的練習工具。

還記得我大學時期的時候參加過一個樂團比賽，賽後台下某個評審很嚴肅的說，他今天整場比賽只看到少數幾個鼓手有聽節拍器表演，他覺得聽節拍器表演是鼓手必須做的事情，因為這樣才能保持整個歌曲的流暢和穩定速度。當時還是小屁孩的我聽著聽著也就信了，只是現在想想那個「老師」可真是讓我繞了一大圈，但也要感謝他，否則我不會了解極度依賴節拍器的痛苦，也不會有這篇文章的誕生。和許多人認為的不太一樣，我認為表演能不聽節拍器就不聽，除了必須聽的狀況下（比如要配合樂團放backing track，這一定要聽，因為差一點點就回不來了）以外，理由和練習方法則是接下來每篇文章的標題。

這一系列文章將介紹我自己幾年來使用節拍器的心得，談不上教學，因為這個過程還在持續演進，而且不會是一套很嚴謹的系統，只是覺得有必要把我如何從極度依賴節拍器變成表演可以不依賴節拍器（偶爾還是會）的過程交代一下，詳細來說是一種對於「鼓手」這個角色本身存在意義的思辨和實驗，以及思考鼓手（drummer）和樂手（musician）這兩個角色的演進過程。全系列文章僅代表我的學習過程心得和方法分享，沒有絕對的是與非，please take what you need and be on your way. 如果大家的目的都是要製造出好聽的音樂，用什麼方法好像就沒那麼重要了，畢竟我們活在21世紀。

系列文章主題如下：

1. 節拍器是什麼？節拍器的基本功能介紹
2. 還記得你怎麼學走路的嗎？節拍器像月亮一樣的練習方法
3. 鼓手也要會唱歌？唱歌如何幫助我穩定速度
4. 這些太簡單了，有沒有難一點的？進階節拍器練習方法（以APP為輔助）
5. 你要當鼓手還是樂手？結語

希望這一系列文章能給需要的人一些方向，但無論如何，至少十年前的我如果看到這些文章一定會很開心。

The Red One (Bill Stewart)

這首由兩位吉他大師Pat Metheny和John Scofield合作的曲子，出自1994年發行的modern jazz專輯"I Can See Your House From Here"，旋律非常具節奏感，一次主旋律之後進入以基本Funk groove為主進而衍生出更複雜節奏的架構去即興，整首歌雖是4/4拍，大玩3 over 2的節奏讓整首曲子聽起來有些捉摸不定，鼓手和bass手穩固又不流於單調的節奏讓兩把吉他大師能夠盡情的即興，也互相激盪出許多精采的火花。

Fly Me to the Moon (Roy Haynes)

這次挑戰的是Roy Haynes版本的Fly Me to the Moon，還記得第一次看Roy Haynes在Ronnie Scotts表演的時候，他一直對現場的鼓非常不滿意，不但會在曲子中間拿出鼓鎖瘋狂調音，還一度下台不想繼續打，即使我完全聽不出來那套鼓哪裡有問題，所以當時對他的印象就是個耳朵非常挑剔的老頭，而他打的東西聽起來也很與眾不同，不按牌理出牌已經不夠形容，真的要說的話應該就像雲一樣飄忽不定吧，比如傳統的swing ride，他利用各種排列組合去打，而不像一般人一樣叮～叮叮叮～，聽起來卻非常流暢。

這首3/4的曲子他solo起來一點也不3/4，雖然還是在3/4的框架裡，但被他打得支離破碎的拍點讓我在採譜的時候常常沒有頭緒，swung to straight、polyrhythm，各種技巧在這首曲子中都用上了，但常常是第二拍或第三拍才開始整個句子，讓人聽起來非常「歪」，搞不清楚第一拍在哪裡，寫成譜之後就能夠清楚的看到，他用的不過只是大家都知道的四分、八分、十六分和三連音罷了，不禁讓人十分佩服。20140808

Blues Waltz (Max Roach)

Blues Waltz by Max Roach (Drums: Max Roach)

心得：

抓完這首三拍的才會驚覺其實自己一點也不會打三拍的曲子。乍聽之下沒有Jordu這麼複雜，用的梗其實也差不多，但左腳的hi hat非常的厲害，第二拍的半開要踩得出來需要花時間練，實際實驗的結果，可以heel-toe-toe或是silent heel-heavy heel-heel，但總而言之需要點時間讓肌肉記得。另外因為是三拍的關係，sticking也需要橋一下才能順暢的移位。

Four (Philly Joe Jones)

Four by Miles Davis Quintet (drums: Philly Joe Jones)

心得：
210真的不是蓋的，怎麼練最多只能到150，不過也因此發現了自己練不夠的地方，抓歌真的是練習疲乏的最佳解藥。

第三段的16th-triplets非常厲害，在這麼快的速度要打得準很難，不過整個放慢之後就會發現其實整個結構不難，相較之下比較多和大鼓的結合，是另一種挑戰。

Jordu (Max Roach)

某個星期五晚上看完Jojo Mayer的表演，聽他分享了很多練習的技巧之後發現，還是得乖乖的腳踏實地聽歌寫譜練習才是不二法門，於是把之前一直想練但又懶得慢慢抓歌的CD拿出來聽，一拍一拍的寫在五線譜上，好像又回到了國中抓歌的感覺，只希望要是那時候抓的是jazz而不是流行歌......anyway晚點開始總比一直不開始還好，於是花了兩個多禮拜邊抓邊練，再花一個晚上用Sibelius打成看起來很厲害的譜，就變成這樣：

僅供參考，很多細節沒有寫出來，比如大部分都有一拍一下的大鼓，或是有些細微的ghost notes和flams。

在抓歌的同時深深覺得，在沒有mp3和那些有的沒的科技的年代，Max Roach要學Kenny Clarke，Miles Davis要學Dizzy Gillespie，甚至Jojo Mayer要學Tony Williams，除了直接看直接聽直接練，根本沒有什麼放慢動作或是Amazing Slow Downer之類的工具，新手如我用了這些工具還是得花兩個多禮拜，而且還常常卡關，更吃驚的是抓完之後發現三連音和16分音符變來變去，要是不放慢我可能要花兩個多月......




會選這首其實沒有什麼特別的原因，硬要說的話就只是這張專輯是某本教材的推薦清單第一張。不過後來覺得Max Roach這首的solo很適合初學者，因為大部分時候都會保持大鼓一拍一下，除了加入大鼓一起solo的地方以外，而整體來說也沒有特別難的polyrhythm，在抓歌或是在練的時候比較不容易迷路。只是如果真的這麼簡單就未免太小看他了，雖然說他用的大部分polyrhythm原理都不難，比如像是用grouping of 6打在4/4上的16分音符，但他會先丟個一拍之後才開始，就變成從第二拍開始的3 over 4，呈現一種「我知道這是polyrhythm，但怎麼好像哪裡怪怪」的感覺，很賊很厲害。更別說那些打得像子彈一樣平均的三連音，也是個需要花時間練的bitch。

另外他還用了很多（我覺得）很奇怪的移位，比如要左手連續打high tom和snare（據說這招Louie Bellson也會用），還有在solo的時候有很多需要思考一下的移位，真正練下去的時候才發現真的要照他的打，不下點功夫練練sticking和motion不行，都打在小鼓上還好，開始移位的時候自己聽了都心虛，好像第一天學打鼓。

這應該不會是最後一次抓歌，雖然我覺得這星期應該不會想再抓歌了，相當累！